Tatenbank

La plateforme d’actions centralisée suisse pour une culture durable

Tatenbank est un projet de Vert le Futur, l’association pour une industrie culturelle et évènementielle durable. La plateforme recueille le savoir du secteur culturel en matière de production et d’organisation durables d’évènements culturels. La recherche et la sélection des contenus sont confiées à une équipe interdisciplinaire dont les membres sont actifs dans les secteurs de la culture et du développement durable: des acteurs et actrices culturel-les, auteur-es, spécialistes du développement de logiciels, graphistes et autres expert-es en communication ou en mise en réseau contribuent sans cesse au développement de Tatenbank.

En quoi consiste Tatenbank?

Tatenbank est un concentré de connaissances, d’aides et d’outils concrets ainsi qu’une source d’inspiration et d’exemples de bonnes pratiques pour travailler de façon durable dans tous les domaines touchant à la culture:

  • Administration
  • Équipement
  • Achats
  • Restauration
  • Infrastructure
  • Communication
  • Programmation
  • Contenus artistiques

Tags

#tatenbank
#vertlefutur
#outils
#inspirations
#idees
#exemples
#culturedurable

Qu’offre la plateforme Tatenbank?

  • Des informations: des connaissances, de l’inspiration et de l’orientation.
  • Une communauté: les acteurs et actrices culturel-les trouvent ici un accès à bas seuil à des connaissances spécialisées et à un réseau d’expert-es. Ils/elles obtiennent des informations sur la manière de poursuivre leurs activités de façon durable et dans le respect de l’environnement.
  • Participation: les utilisateurs et utilisatrices peuvent participer et proposer leurs propres «actions» dans le domaine de la culture durable. Ainsi, les expériences de la communauté viennent constamment parfaire la plateforme Tatenbank.

Pourquoi avons-nous besoin de Tatenbank?

Pour que la durabilité ne soit pas la grande absente du quotidien du secteur culturel, il faut des outils utiles, des connaissances et surtout de bons exemples.

Récolter des informations, les analyser et en tirer les bonnes conclusions prend du temps.

Avec sa plateforme, l’association Vert le Futur comble cette lacune.

À qui la plateforme s’adresse-t-elle?

La plateforme Tatenbank s’adresse à des professionnel-les de la culture travaillant dans tous les genres et qui désirent s’engager pour une culture durable dans leur domaine d’activité.

Les contenus sont disponibles en allemand et en français.

Impressum

Vert le Futur
vertlefutur.ch

Contact
tatenbank@vertlefutur.ch

Sustainable Impact Tool

Le Sustainable Impact Tool est un outil de travail gratuit destiné aux institutions et aux projets culturels en Suisse. Il aide les artistes et les acteurs culturels à analyser systématiquement leurs activités sous l’angle de la durabilité écologique et sociale. Il est ainsi possible de vérifier l’efficacité d’un mode opératoire durable, tant au niveau des institutions qu’au niveau des productions, tournées ou manifestations individuelles. L’outil est développé en permanence.   

En quoi consiste cet outil?

Le Sustainable Impact Tool offre la possibilité de simplifier les rapports sur le développement durable grâce à une multitude de modules numériques. Certains éléments permettent de calculer clairement l’empreinte carbone, alors que d’autres modules sont ajoutés en permanence pour rendre compte des différents domaines de la durabilité sociale.

Tags

#responsabilité
#action
#développement durable
#reporting

Que permet de faire cet outil?

Le Sustainable Impact Tool soutient une analyse facilement accessible et systématique des activités des artistes et des acteurs culturels en termes de durabilité environnementale et sociale.

À qui s’adresse l’outil?

Toutes les institutions culturelles, manifestations, productions et tournées en Suisse peuvent accéder gratuitement au Sustainable Impact Tool.

 

Pourquoi cet outil est-il nécessaire?

Des rapports simplifiés permettent de prioriser les mesures en fonction de leur efficacité pour le développement durable. Il est ainsi possible de vérifier l’impact et d’affecter les ressources là où elles peuvent avoir le plus d’effet.

Impressum

L’outil a été lancé par Pro Helvetia et le Pour-cent culturel Migros.

 

 

 

Values of Solidarity

Un jeu de médiation pour le renforcement d’équipes et la co-création culturelle

L’outil «Values of Solidarity» est à la fois un jeu et un instrument de médiation pour des équipes en début de collaboration. Grâce à un jeu de cartes, les participant-es peuvent décrire les valeurs qui leur tiennent à cœur et découvrir celles qui motivent leurs partenaires. Cela permet à un groupe de travail ou de projet de faire plus ample connaissance et d’aborder des valeurs, des expériences et des besoins qui ne l’auraient peut-être pas été autrement. Les discussions qui en découlent favorisent une communication collaborative et créent un environnement de travail solidaire et durable, qui reflète la diversité culturelle, intellectuelle et émotionnelle des participant-es.

De quoi se compose cet outil?

«Values of Solidarity» est un jeu de cartes en anglais. Il contient deux types de cartes.

Les cartes «Value» décrivent des valeurs qui peuvent être importantes pour une collaboration solidaire, p. ex.:

  • Honnêteté
  • Motivation
  • Respect
  • Santé
  • etc.

Les cartes «Conflict» proposent des scénarios fictifs, dans lesquels une mauvaise communication et des différences culturelles engendrent des tensions et des conflits qu’il s’agit d’apaiser.

Tags

#community
#care
#valeurs
#solidarité
#collaboration
#pratiqueequitable
#communicationnonviolente
#reshapenetwork
#valuesofsolidarity

Pourquoi ce jeu de cartes est-il nécessaire?

Dans un groupe de travail ou lors de collaborations, des conflits peuvent apparaître si les participant-es ont un système de valeurs très différent ou si certain-es ne reconnaissent pas les droits des autres.

Au cours du jeu, les équipes se plongent dans des situations conflictuelles fictives et leurs membres peuvent exprimer leurs propres valeurs.

L’objectif est que chaque équipe formule son propre cadre de valeurs. Cela permet de renforcer la solidarité au sein du groupe.

À qui s’adresse cet outil?

L’outil a été spécialement conçu pour des équipes en début de collaboration. Il s’adresse principalement à des équipes de projet dans les domaines de l’art et de la culture, mais il est aussi pertinent pour d’autres secteurs.

Que permet de faire ce jeu de cartes?

«Values of Solidarity» est source d’inspiration et donne l’occasion de réfléchir aux possibilités de résolution de conflits au sein d’une équipe.

Le jeu plonge les participant-es dans des scénarios conflictuels. Cela leur permet d’identifier les mécanismes souvent opaques et cachés qui génèrent des tensions et des difficultés. En parallèle, les participant-es peuvent trouver les méthodes permettant de réduire les tensions, notamment lorsque des contextes différents se côtoient.

Grâce au jeu, chaque participant-e peut prendre davantage conscience que la solidarité offre un cadre de collaboration pratique et opérationnel.

Herunterladen

Informations complémentaires sur le site Internet de Reshape Network:

The Gamified Workshop Toolkit: Values of Solidarity

Télécharger extrait en anglais

Commander un jeu de cartes

Le jeu de cartes peut être commandé auprès de RESO – Réseau Danse Suisse au prix de CHF 15.- (frais de port non compris).

Vous pouvez vous adresser directement à RESO en écrivant à info@reso.ch

Impressum

2020, RESHAPE Network

reshape.network

Rédaction: Anikó Rácz, Doreen Toutikian et Dorota Ogrodzka avec le conseil de Konrad Gadzina.

Développé dans le cadre du projet RESHAPE «économies solidaires», auquel ont participé Ouafa Belgacem, Ekmel Ertan, Harald Geisler, Anastasya Kizilova, Dorota Ogrodzka, Anikó Rácz, Laure de Selys et Doreen Toutikian, sous la direction de Nike Jonah.

La nouvelle édition de «Values of Solidarity»  en 2022 a été financée par Reso – Réseau Danse Suisse et m2act le projet de soutien et de mise en réseau du Pour-cent culturel Migros.

Green Guide for cultural organisations

reflector aide les institutions culturelles et les acteurs et actrices culturel.le.s à réduire leur empreinte écologique et à créer une scène culturelle vivante et orientée vers l’avenir.

Avec le Green Guide for cultural organisations, reflector met à disposition un guide pour la mise en œuvre rapide de mesures écologiques.

reflector est soutenu par m2act, le projet de soutien et de mise en réseau du Pour-cent culturel Migros pour les arts de la scène, en collaboration avec le Fonds pionnier Migros.

En quoi consiste cet outil?

Le «Green Guide for the Performing Arts» se compose de plusieurs lignes directrices thématiques avec des mesures concrètes, qui favorisent un passage à l’action rapide. Chaque ligne directrice peut être mise en pratique indépendamment et sans suivre une chronologie particulière.

Tags

#reflector
#greenguide
#howto
#developpementdurable
#theatredurable
#greenculture

Que permet de faire cet outil?

Le Green Guide donne des idées pour des mesures efficaces et pertinentes dans les domaines suivants:

  • Mobilité
  • Production
  • Technique
  • Restauration
  • Énergie
  • Communication

Chaque guide regroupe différentes mesures qui peuvent être appliquées individuellement. Il en résulte un plan d’action individuel qui peut être téléchargé en format PDF.

Pourquoi cet outil est-il nécessaire?

Il n’est pas toujours facile d’intégrer la durabilité au quotidien d’une structure. Le Green Guide permet d’aborder le sujet plus facilement, aide à fixer des objectifs et à mettre en œuvre les mesures appropriées.

À qui s’adresse l’outil?

Le Green Guide accompagne les institutions culturelles et les acteurs et actrices culturel.le.s sur la voie vers une pratique culturelle durable. Les guides ont été développés en collaboration avec des institutions culturelles et des expert.e.s en développement durable.

Impact Guide

Der Impact Guide ist eine Schritt-für-Schritt Anleitung, die Projektteams dabei unterstützt, ihr Projekt möglichst wirkungsvoll aufzusetzen.

Er hilft Akteur*innen, die in den Darstellenden Künsten zu einem Strukturwandel beitragen wollen, ihre Annahmen zu überprüfen und herauszufinden, ob die geplanten Aktivitäten und Angebote bei der Zielgruppe tatsächlich die gewünschte Verhaltensänderung bewirken.

Der Impact Guide basiert auf der Theory of Change und wurde vom Migros-Pionierfonds gemeinsam mit Policy Analytics entwickelt.

Warum braucht es dieses Tool?

Projekte, die einen gesellschaftlichen Wandel anstreben, bieten Aktivitäten an, die beim Zielpublikum eine Verhaltensänderung auslösen sollen, die ohne das Projektangebot nicht stattfinden würde. Die Wirkung des Projekts misst sich an dieser Verhaltensänderung.

Für die wirkungsvolle Konzipierung eines Projekts hilft es, das Projekt von hinten aufzurollen und seine Wirkungskette genauer zu kennen.

Dafür stellt der Impact Guide folgende Fragen:

  • Welche systemische Veränderung streben wir an?
  • Wer muss sein Verhalten wie ändern, um dieser systemischen Veränderung näher zu kommen?
  • Welches Angebot kann unser Projekt machen, um zu dieser Verhaltensänderung beizutragen?
  • Welche Annahmen stecken hinter dem Zusammenhang zwischen Angebot und Verhaltensänderung – und sind diese plausibel?

Tags

#impact
#wirkungsorientierung
#theory of change
#systemische veränderung
#input output outcome
#wirkungskette

Für wen ist dieses Tool?

Der Impact Guide ist ein Angebot für alle Akteur*innen, die mit ihren Ideen, Aktivitäten und Projekten eine fairere, inklusivere und nachhaltigere Kultur und Gesellschaft gestalten wollen.

Was kann dieses Tool?

Ein Projektteam kann mit Hilfe des Impact Guide Schritt für Schritt seine eigene Wirkungslogik aufzeichnen, seine Annahmen prüfen und die Aktivitäten so ausrichten, dass sie tatsächlich zum Erreichen der Wirkungsziele beitragen.

Er hilft dabei

  • Wirkungsziele zu definieren
  • Zusammenhänge zu visualisieren
  • Wirkungsketten zu erkennen
  • Annahmen zu überprüfen
  • Angebote zu schärfen

Impressum

Autor*innen: Linda Sulzer, Aljosha Henkel, Andreas Beerli

Migros Pionierfonds / Direktion Kultur und Soziales des Migros-Genossenschafts-Bundes

Policy Analytics

 

Stand: November 2021

Supporting Relevance

Ideas and strategies for inclusive, fair and flexible arts funding 

IETM – Le Réseau international pour les arts du spectacle contemporains est l’un des plus anciens et des plus grands réseaux culturels internationaux. Il représente plus de 500 organisations et spécialistes travaillant dans le domaine des arts contemporains de la scène de par le monde. 

Le réseau s’engage activement en faveur de meilleures conditions de travail dans les arts. Le financement des arts est un élément important de ce processus aussi urgent que complexe. L’IETM se bat pour des formes de financement artistique novatrices. La publication «Supporting Relevance: Ideas and strategies for inclusive, fair and flexible arts funding» désire lancer le débat et propose des stratégies et des solutions pour améliorer durablement la situation du secteur culturel et des professions concernées. 

De quoi se compose cet outil? 

Dans cette publication, l’IETM fournit  

  • des notions clés,
  • des exemples inspirants,
  • des arguments,
  • et des recommandations 

pour un financement équitable, flexible et inclusif dans le domaine des arts de la scène

Tags

#EncouragementEquitable
#EncouragementInclusif
#EncouragementFlexible
#ArtsDurables
#PratiqueEquitable 

Pourquoi cet outil est-il nécessaire? 

Le secteur artistique doit pouvoir se développer et conserver sa pertinence en harmonie avec ses valeurs et les développements de la société actuelle. C’est pourquoi les modèles, les méthodes et les instruments du financement culturel doivent être repensés, adaptés et améliorés. 

Que permet de faire cet outil? 

La publication répond aux questions suivantes: 

  • L’équité: que faut-il pour garantir un encouragement équitable dans les arts de la scène?  
  • La flexibilité: que signifie encouragement flexible? 
  • L’inclusion: quelles sont les personnes exclues et comment peut fonctionner l’inclusion? 

La publication apporte une contribution de taille à la discussion actuelle sur l’avenir des arts de la scène et le rôle du financement de l’art dans ce secteur. 

À qui s’adresse l’outil? 

La publication s’adresse à tous les acteurs et actrices culturel-les qui désirent, par le biais de leurs idées et activités, contribuer à une culture et à une société plus équitables, plus inclusives et plus durables. Elle s’adresse tout particulièrement aux membres d’institutions d’encouragement et de commissions de sélection. 

Télécharger le PDF

IETM Publication 2021 – Supporting Relevance

La publication est également disponible sur le site Internet de l’IETM en fichier audio: www.ietm.org  

Impressum

M. Ilic, F. Farhat, «Supporting relevance: Ideas and strategies for inclusive, fair and flexible arts funding», IETM, November 2021.

www.ietm.org/en/resources

«Alle inklusive – ein Kleintheater will mehr»

Ce documentaire invite à suivre le Kleintheater Luzern dans son voyage pour devenir une entreprise culturelle plus inclusive. Iel·s ne se sont pas seulement intéressé·e·s à la programmation inclusive de leur propre structure, mais ont demandé, au cours de la saison 23/24, quelle était la place de l’inclusion dans le secteur culturel aux autres institutions culturelles, aux organismes d’encouragement culturel et à la politique.

En quoi consiste cet outil? 

L’outil consiste en un film documentaire de 60 minutes. Le film est disponible avec des sous-titres en DE/FR, des sous-titres en DE/FR pour les personnes en situation de handicap auditif ainsi qu’avec une audiodescription.

 

Tags

#inclusion
#StructureCulturelle
#theatre#arts de la scène
#kleintheaterluzern
#barrières

Que peut faire cet outil? 

Le film donne rapidement un aperçu factuel de l’évolution, des chances et des défis à venir du thème de l’inclusion dans le secteur culturel.

Il donne une voix aux groupes d’intérêts les plus divers, écoute et contextualise la place actuelle du thème de l’inclusion dans la scène culturelle suisse.

Le film complet peut être obtenu auprès du Kleintheater Luzern moyennant des frais de licence modiques.

 

 

 

 

À qui s’adresse l’outil?

À toutes les personnes qui traitent (ou souhaitent traiter) du thème de l’inclusion dans le secteur culturel et l’arts de la scène.

 

 

Pourquoi cet outil est-il nécessaire?

Avec un film, nous avons choisi un média qui permet d’aborder le thème de l’inclusion dans le secteur culturel de manière claire et divertissante à la fois.

Impressum

Autrice: Fabienne Mathis pour le compte du Kleintheater Luzern

Le cas échéant, l’outil sera publié sous la licence CC suivante:

Ce travail est sous licence internationale Creative Commons Attribution – Pas d’utilisation commerciale – Partage dans les mêmes conditions 4.0.

Contact:
fabiennemathis
@kleintheater.ch
Site Web

 

La méthode g3 – façonner ensemble la société

(En allemand méthode g3, gemeinsam gesellschaft gestalten!)

Inspirée du design thinking, cette méthode d’innovation permet aux acteurs·trices culturel·le·s de développer des approches concrètes et pratiques pour répondre aux défis actuels (tels que la participation et les conditions de travail équitables) dans les arts scéniques. Six descriptions de processus concrets ont été élaborées à cette fin:

Six descriptions de processus

  • Comment collaborer efficacement ?
  • Comment en savoir plus sur les besoins des personnes concernées par la question ?
  • Comment utiliser les connaissances déjà acquises ?
  • Comment élaborer ensemble de nouvelles idées ?
  • Comment concrétiser une idée ?
  • Comment tester notre idée ?

TAGS

#collaboration
#design thinking
#participation
#créer de l’espace
#discuter

Que propose la méthode g3 ?

La méthode g3 est une proposition concrète permettant d’aborder directement les principes d’ouverture et de participation. Elle est:

  • gratuite, car elle ne nécessite pas de supervision professionnelle.
  • idéalement adaptée à la participation de personnes très diverses dans des groupes hétérogènes de toutes tailles.
  • simple et accessible, pour qu’il soit possible de commencer tout de suite sans aucune introduction ni formation.
  • efficace, car chaque atelier mène à des résultats concrets en une heure seulement.
  • utilisable dans différents contextes et, en fonction des besoins, dans son intégralité ou de manière partielle.
  • axée sur la pratique par le biais de sujets centraux tels que la clarification des besoins, le développement d’idées ainsi que la conception et le test de prototypes.

À qui s’adresse la méthode g3 ?

  • La méthode est destinée à toutes les personnes impliquées dans des institutions ou projets culturels et qui souhaitent développer des réponses concrètes à des questions concrètes.
  • Par ailleurs, les descriptions
    de processus semblent parfaitement adaptées pour aborder d’autres thématiques issues de la politique, de l’administration et de la société civile.
  • Il est important de noter que la méthode g3 ne doit à aucun moment être comprise comme un produit fini, mais plutôt comme une invitation à une collaboration constructive.

Pourquoi la méthode g3 est-elle nécessaire ?

Les défis complexes des domaines de la culture ou de la politique ne peuvent être relevés par des individus ou groupes d’intérêts, de manière satisfaisante. Non seulement l’éventail des besoins ne cesse de s’élargir, mais les formes traditionnelles de prise de décision sont de plus en plus remises en question.

Les secteurs artistiques et culturels réfléchissent activement à la question qui est de savoir comment atteindre la population dans son ensemble et comment l’impliquer étroitement aux discussions. Des études reconnues montrent que les équipes diversifiées travaillent souvent de manière plus créative, efficace et ont donc une meilleure chance de succès.

Impressum

Programme KIWit «Kultur+Wirtschaft» Direction de projet: Moritz von Rappard, codéveloppement: Hanna Voss, collaboration: Stefanie Neumeister

Ce travail est sous licence internationale Creative Commons Attribution – Pas d’utilisation commerciale – Partage dans les mêmes conditions 4.0.

Inclusion

La méthode n’est pas encore totalement inclusive, car le manque de compétences linguistiques ou des déficiences physiques ou mentales rendent la participation active difficile. Mais dans le meilleur des cas, chaque utilisation dans la pratique devrait générer de nouvelles idées ou perspectives, et tout retour d’information est donc expressément souhaité.

Impressions de l’atelier g3 m2act@legrütli

m2act@LeGrütli
m2act@LeGrütli
m2act@LeGrütli
m2act@LeGrütli

Collaborer dans les Arts de la Scène

Lexique

Lors de coopérations entre théâtres, festivals et compagnies, les malentendus ne sont pas rares lorsqu’il s’agit de définir et de négocier les rôles et les prestations fournies par les différents partenaires. Le terme de «coproduction» est notamment utilisé pour toutes sortes de collaborations. Cela entraîne une dévalorisation croissante de cette forme importante de coopération et des prestations qui y sont liées.

C’est pourquoi, en 2018, CORODIS (Commission romande de diffusion des spectacles) a créé un groupe de travail auquel RESO (Réseau Danse Suisse) et le Pour-cent culturel Migros / m2act ont également participé. Le lexique qui en a résulté et les définitions qu’il propose ont été avalisés en 2019 par les membres de CORODIS (les Cantons et la majorité des Villes de Suisse romande), les membres de la FRAS (Fédération romande des arts de la scène), puis traduits en allemand par RESO en 2021. 

Pourquoi faut-il un lexique?

m2act est d’avis que l’utilisation résolue de ce lexique à l’échelle suisse contribuera grandement à clarifier et à améliorer les coopérations dans le domaine des arts de la scène et soutient donc activement sa diffusion dans toute la Suisse.

Tags

#coproduction
#contrats
#coopération
#transparence
#pratique équitable

À qui s’adresse le lexique?

Le lexique s’adresse à la fois à des théâtres, à des festivals et à des compagnies. Il peut constituer une base de discussion lors de négociations portant sur des coopérations ou des coproductions.

Que permet le lexique?

Le lexique clarifie les questions suivantes:

  • Qu’est-ce qu’une coproduction et qu’est-ce qui ne l’est pas?
  • Entre quels types de partenaires est-ce qu’une coproduction peut se dérouler?
  • Quelles sont les prestations inhérentes à une coproduction?

Il aide

  • à définir clairement les prestations
  • à encourager la prise d’engagement
  • à éviter les malentendus
  • à améliorer les coopérations

à mieux comprendre certains termes, structures et structures de coopération en Suisse romande et en Suisse alémanique.

1. Les structures qui collaborent

 

PRODUCTEUR, STRUCTURE PRODUCTRICE, Personne morale qui prend en charge la production d’un spectacle, en détient et assume les droits, est responsable de son financement et en assume la responsabilité d’employeur.euse. Concrètement, la structure productrice coordonne et réunit les moyens nécessaires à la réalisation du projet, qu’ils soient matériels ou humains. Entre réalité économique et travail artistique, le rôle de la structure productrice est de négocier le passage de la conception au concret. Durant la période d’exploitation du spectacle, la structure productrice assume le paiement des salaires du personnel nécessaire à la réalisation du spectacle, les indemnités et les charges s’y rapportant. Elle s’occupe notamment de la fourniture et de l’entretien des décors, des costumes, des accessoires.

 

ORGANISATEUR, STRUCTURE ORGANISATRICE, Théâtre, festival, organisme ou autre lieu de représentation qui achète des représentations de spectacles pour les présenter au public (aussi appelé par extension lieu d’accueil ou lieu de diffusion). Lors de l’accueil d’un spectacle, la structure organisatrice fournit un lieu en ordre de marche, l’infrastructure et le plateau technique. Elle en supporte les frais, notamment les droits d’auteurs, les salaires et les charges annexes du personnel nécessaire au service général du lieu, le chargement et le déchargement du matériel, le montage et le démontage des décors, le réglage de la sonorisation et des lumières. Elle assume également toutes les responsabilités relatives à la promotion du spectacle, à la sécurité, à l’accueil du public, à l’encaissement, à la comptabilité des recettes, et en supporte les frais.

 

PRODUCTEUR DÉLÉGUÉ, STRUCTURE PRODUCTRICE DÉLÉGUÉE, Structure désignée par les autres structures impliquées dans une coproduction (cf. « coproduction ») pour assurer en leurs noms la production d’un spectacle. La structure qui assume la production déléguée a la responsabilité juridique et financière du projet, notamment vis-à-vis des autres structures participant à la coproduction.

2. Les modes de collaboration

 

COPRODUCTION, Contrat conclu entre une structure productrice et une ou plusieurs structures organisatrices qui coproduisent et s’associent pour mettre en commun des moyens financiers, techniques et/ou humains nécessaires à la production d’un spectacle. La coproduction implique, de la part de la structure organisatrice, un apport financier qui s’additionne au prix de cession et permet de couvrir une partie des frais de production. Il peut être complété par la fourniture de services et/ou de prestations. Le contrat de coproduction est distinct du contrat de cession.

 

PRÉACHAT, Achat de représentations d’un spectacle qui n’est pas encore créé. Un préachat représente une prise de risque artistique et financière pour la structure organisatrice. Il est le gage de la confiance accordée par la direction artistique du lieu à l’artiste, et constitue un appui à la production du spectacle. Le préachat peut être valorisé comme un « partenariat » (voir définition plus bas).

 

PARTENARIAT, Aides apportées à une structure productrice visant à favoriser ses conditions de recherche artistique, de production et de diffusion. Ces aides peuvent prendre la forme d’un accompagnement artistique, de la mise à disposition de techniscénistes, d’espaces de travail, d’un accompagnement à la recherche de fonds, à la communication, la presse et/ou la diffusion, d’une mise en réseau, d’un préachat, d’accueil en résidence, etc.

 

RÉSIDENCE, Mise à disposition d’un espace de travail pendant une période significative et prise en charge ou contribution éventuelle à l’hébergement et/ou aux repas de l’équipe accueillie lorsque cela s’avère nécessaire. La résidence peut être complété par un apport en ingénierie (mise à disposition du plateau, aide technique, etc.).

 

ARTISTE | COMPAGNIE ASSOCIÉ·E, Artiste ou compagnie indépendante choisie par une direction de théâtre ou de festival pour participer à la vie du lieu ou de l’évènement pendant une période définie. Manière de s’associer à la réflexion, la créativité, à l’image d’un.e artiste ou d’une compagnie et de lui donner un ancrage pour le développement de son travail artistique. Le théâtre ou le festival coproduit les spectacles créés par l’artiste durant le temps que dure cette association. L’artiste peut être invité·e dans des réunions d’équipe, partager la réflexion sur le projet artistique et la programmation, animer des actions de médiation, etc.

3. Les prestations financières

 

PRIX DE CESSION, Prix de vente d’un spectacle. Le prix de cession couvre le coût total de la ou des représentations. Il est déterminé par la structure productrice et augmenté d’une marge qu’elle détermine (et qui correspond, par exemple à l’amortissement des frais de reprise, des frais de fonctionnement, à un amortissement de la production, etc.).

 

CONTRAT DE CESSION, Contrat de vente d’un spectacle par la structure productrice à une structure organisatrice. En plus du prix de cession, la structure organisatrice assume les frais liés au respect de la fiche technique, et dans les cas où ils s’appliquent les droits d’auteurs ainsi que les frais de repas, de transport des personnes et du matériel et d’hébergement de l’équipe accueillie.

 

CACHET, Le cachet est le terme couramment utilisé pour définir la rétribution des artistes et de l’équipe liée au spectacle. En Suisse, le terme n’a pas de base juridique, il s’agit soit d’un honoraire pour les travailleurs et travailleuses ayant le statut d’indépendant.e.s, soit d’un salaire (brut) pour les employé·e·s. Le prix de la cession doit comprendre les cachets versés aux artistes et tous les frais qu’une structure productrice doit assumer pour pouvoir donner une représentation.

 

COÛT PLATEAU, Somme des frais et salaires liée au plateau que la structure productrice doit assumer pour donner une représentation d’un spectacle. Cette somme ne comprend pas les frais de diffusion, de production, de reprise, de voyage et de transport.

Impressum

Une initiative de

En collaboration avec

Élaboré en français de 2018 à 2019
Traduit en allemand en mars 2021